Arte contemporanea numero 10 gennaio-febbraio 2008

VIDEOZOOM di Gabriele Tinti

(da pag. 22 a pag. 25)

Arte contemporanea numero 4 novembre-dicembre 2006

ARTEZOOM di Giovanna Le Noci

(da pag. 14 a pag. 20)

Espoarte numero 68 dicembre 2010/gennaio 2011

RUBRICHE 


GUEST di Silvia Conta

(pag. 123)

Opera omaggio alla rassegna, “Special guest” è un lavoro in cui il mondo contemporaneo collassa nella storia dell’arte. Una leggera ironia, qualche dissacrante parallelo, ma tutto sommato il lavoro site specific di Macina richiama l’ospitabilità e l’attesa per chi arriva a cena, rifacendo un’ultima cena trasformata in pic nic. I bicchieri di plastica, i piati dello stesso magnifico materiale, la bottiglia di vino e la tovaglia allestiti all’aperto, sono segni di un richiamo alla storia dell’arte e ad una iconografia consueta, prosciugata fino alla posterizzazione dell’immagine. Ma il titolo evoca anche l’attesa per un ospite d’onore, come lo può essere il Salvatore, a suo modo una star di un sistema di credenze in cui tutto il mondo contemporaneo è sprofondato. Macina crea ambiguità, allargamenti di senso, cioè fantasmi.

Infatti l’ospite non si vede, come non si vedevano nemmeno tanto bene i suoi amici ritratti in una serie del 2006 chiamata “Between”. Sullo sfondo di altre tovaglie, di geometrie da mercatino rionale, si stagliano le immagini sfocate di giovani dall’identità soffusa. Sopra le immagini altre impronte, graffi, sporcizia in termini fotografici, quasi a suggellare una distanza, un’impossibilità a vedere bene le cose soltanto per un fatto tecnico, per un dato oggettivo.

E rientrano nell’immateriale categoria del fantasma anche i lavori precedenti, come “Città giocatolo” del 2004 in cui il bianco e nero ritorna alle origini di una sperimentazione fotografica che è ormai storia. Tra il graffito e la foto off camera, ancora una volta si gioca con le tracce, Nico Macina ha saputo dare vita a qualcosa che non c’è, forse perchè non ci può essere. Il bianco e nero dà aulicità e nobiltà al segno degli oggetti, sembra quasi che la fotografia si faccia da parte, si sposti lateralmente per far entrare qualcosa che vuole rimanere estraneo alla rappresentazione. Segni, tracce, fantasmi, appunto.

Anche in “Tra il verde e il secco” del 2005 il colore fa diventare maggiormente narrative le immagini, al limite del troppo, ma tutto evoca qualcosa che non è visibile, le tracce portano ad una realtà che il mezzo annuncia senza esaurire completamente.

In tutto il suo lavoro Macina lavora per evocazioni, come se avesse colto della fotografia la sua componente magica. Nell’era dell’elettronica vi è in questi lavori una fedeltà all’idea che quello che accade dentro la macchina fotografica o da ripresa è qualcosa di non completamente conoscibile ed esplicitabile. Vi è sempre qualcuno che se ne appena andato oppure non è ancora arrivato in queste immagini. I fantasmi muovono gli oggetti ma non appaiono mai completamente, altrimenti forse sarebbe chiaro il loro inganno, la precarietà dell’apparire in cambio dell’essere.

Valerio Dehò

Artisti: Karin Andersen, Elena Arzuffi, Alessandra Baldoni, Alessandro Bavari, Luca Bidoli, F.lli Calgaro, Vanni Cuoghi, Berenice Darrer, Luca Del Sordo, Angelo Di Dedda, Ulrich Egger, Fiorella Fontana, Nicola Genovese, Cristian Ghisellini, Daniele Giunta, GRAL (Graziosa Bertagnin&Albano Frediani), Gianluca Groppi, Franco Losvizzero, Nico Macina, Gianni Moretti, Serena Piccinini, Christian Rainer, Denis Riva, Stefano Scheda, Wilhelm Scheruebl, Siva Le Duc, Silvia Vendramel, Devis Venturelli.

Curatori: Antonio Arevalo/Maddalena Mauri, Daniele Capra/ Nebojsa Despotovic, Martina Cavallarin/Svetlana Ostapovici, Silvia Conta/Michele Spanghero, Gianluca D’Incà Levis/Laura Santamaria, Carolina Lio/ Marco Carli Rossi, Carlo Sala/ Giuseppe Gonella.

Dopo il successo dello scorso anno, la galleria de faveri arte contemporanea ha deciso di rinnovare l’originale appuntamento della mostra collettiva estemporanea intitolata Save ours Skiers, tale mostra la scorsa stagione aveva visto la partecipazione libera di un gruppo semi-spontaneo di artisti intervenuti in loco portando personalmente una propria opera ed accettando di partecipare ad una camminata con racchette da neve, successiva all’inaugurazione. Non una performance, né un gesto culturale per affermare chissà quale verità: ma un tentativo genuino, spontaneo ed ironico di avvicinare mondi lontani, che si affascinano vicendevolmente, una volta liberi da preconcetti e luoghi comuni. La mostra, già lo scorso anno, aveva lasciato presagire la propria essenza insopprimibile, all’insegna del divertimento e della cultura, palesando il proprio obiettivo, ovvero il recupero di quel genius loci capace di restituire le motivazioni perdute del mondo a cui sorride; in questo specifico caso, riaffermando l’antica libertà dell’arte. L’evento si ripresenta quest’anno, sempre in febbraio, con la stessa formula di evento ludico-artistico, ma con degli aspetti innovativi per quanto riguarda la presenza di artisti e curatori, una nuova formula elaborata e proposta da Viviana Siviero, critico e curatore indipendente che da anni collabora con la galleria de faveri e che ne condivide un certo spirito pionieristico. Un’evoluzione che desidera essere una ulteriore tappa di avvicinamento verso il più ambizioso progetto , nato in collaborazione con il Comune di Sovramonte, del CAAS ( Colonia Alpina per Artisti Sovramonte ), una sorta di soggiorno vacanza con la possibilità di confrontarsi con altri artisti e/o critici, in un ambiente sano, svincolato dalle convenzioni e consuetudini, ospitati in ostello o in case private, con un territorio che potrà fungere da atelier diffuso. La risposta a questa “chiamata” da parte di artisti e curatori sarà un segnale utile per calibrare gli ulteriori passi in avanti del progetto ed in ogni caso una splendida opportunità per tutti di confronto e divertimento.
Gli artisti, ancora una volta, saranno impegnati a portare ed installare personalmente le opere, nella sede, che quest’ anno cambia: non più le candide pareti della galleria di Feltre, ma il grande spazio del Lab610 XL di Servo di Sovramonte, a sottolineare ancor di più la natura sperimentale dell’iniziativa, il cui tema sarà nuovamente libero, mentre la misura delle opere saà vincolata, in modo che nell’armonia della dimensione il pubblico possa trovare infiniti spunti di riflessione differenti.

È un corpo in movimento che gira su se stesso, piegandosi e ripiegandosi nello stesso punto, creando linee di fuga, buchi nell’aria. È l’inutilità del movimento che trasforma il corpo in un’alterità. È un corpo che si dimena senza senso. Puro ritmo. Vorticosità.
Mentre i musicisti ricevono e trasformano le intensità sonore trasmesse dai movimenti della danzatrice, il corpo diventa una porta per il suono, proiettato nella vastità dello spazio.
Ogni movimento è una rigenerazione: non c’è forma, ma solo figure, istanti, pieghe barocche. La vorticosità inoperosa del corpo non ha nessun senso se non quello di essere pura trasformazione nel tempo. Il corpo non ha pesi da portare, ma solo leggerezze da inventare, pieghe effimere da disegnare nell’aria; non ha memoria, perché vive della sua stessa dispersione, attraverso quelle linee di fuga che produce senza sosta. Ciò che viene creato non prende nessuna forma, perché il movimento del corpo non ha né un’origine né una fine, perché è puro divenire, colto nel mezzo di un ripiegamento.

Masdevallia Tigerkiss nasce nel 2008 nella Repubblica di San Marino per volontà artistica di Martina Conti, danzatrice e coreografa, Nico Macina, fotografo, Francesco De Luigi, poeta. fake¬_on_bach è una creazione coreografica e musicale, ideata e realizzata da Masdevallia Tigerkiss in collaborazione con il compositore Massimiliano Messieri.

musiche di J. S. Bach, Nathan Fake
coreografia e danza_Martina Conti
pianoforte_Gea Gasperoni
violoncello_Elisa Lazzarini
scena e costumi_Martina Conti
luci_Marco Grassi/Martina Conti
testi_Francesco De Luigi/Martina Conti
progetto grafico e fotografia_Nico Macina
supervisione musicale_Massimiliano Messieri

Ecco, il lavoro di Nico Macina sembra contenere alcuni di questi rimandi ma produce uno scarto. L’immagine suggerisce le traiettorie di un doppio movimento: quello di un romantico disfacimento, con la terra che inghiotte, avvolge, assimila e, come una forza contraria, quello di una spinta, di una crescita immaginaria, di un’escrescenza (il paesaggio qualche volta si pavoneggia e può mettersi a fare la ruota, mi disse una volta un artista). Così qualcosa trascina questa immagine fuori dalla retorica della rovina, della rovina nel paesaggio, della decadenza intesa come consunzione di ciò che fu spazio antropico. La vitalità della forma in disfacimento è poi forse tutta contenuta in una frase (che dà anche il titolo al lavoro), quel M. I love you! che trasforma il tendone in una “esuberanza del paesaggio”, in un possibile dono, un gigantesco fiore. In una serie fotografica di qualche tempo fa (Bbetween) Nico Macina ritraeva alcuni suoi amici imprigionandoli tra due piani dell’immagine (uno “tattile” e “di superficie” che simulava tracce e difetti specificatamente mediali – come riflessi, polvere, ditate e graffi sull’obbiettivo – rendendo inevitabile la sfocatura delle figure, e uno sfondo di motivi decorativi volutamente dozzinale, come da “tovaglietta della nonna”).

Nel caso di M. I love you! adotta invece un punto di vista fortemente ravvicinato che taglia fuori dal campo visivo gran parte dell’orizzonte e del paesaggio circostante (forse un altro modo per prendere le distanze da quella retorica della rovina di cui si diceva prima). Questo avvicinamento, questa prossimità dello spettatore all’elemento architettonico implica ancora una volta la compresenza di almeno due livelli distinti. Quello di una superficie tattile in primo piano, con le macchie nerastre, le pieghe, le scoloriture del tempo e con la vegetazione che preme ai bordi del tendone.

E quello invisibile di un dentro/dietro la struttura architettonica, dove immaginare e idealmente collocare la presenza di forme di vita appartate.

Davide Ferri

7 maggio 2010

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Border Transits
Paratissima 6, Sei quello che sei – Torino

3 novembre 2010

La distinzione dell’indistinto

Il lavoro di Nico Macina si dispone nellʼordine della perdita ed in quello dellʼacquisizione, le sue foto si situano in una sorta di limen tra definito e indistinto. Il ritratto, ambiguamente si pone come pretesto immaginale poiché la figura persa in una sfocatura che vela significativamente i connotati fisionomici, viene contrapposta ad un fondo perfettamente delineato da una ossessiva,quanto algida descrittività.
Il modus operandi di Macina è ancora più sottile, poiché si concretizza in un ulteriore intervento che riconduce lʼoperazione intrapresa ad un livello che riguarda più decisamente lʼepidermide fotografica. Il testo figurale è quindi dissezionato in una sorta di autopsia visiva e concettuale,quasi che lʼartista sovrapponga varie categorie del vedere sino alla con-formazione di una immagine compiuta, seppur apparentemente incongrua. Il ritratto, si diceva, è il pretesto ed il testo da cui parte Macina, evidenziato e scaldato emotivamente dallʼassunzione di modelli che peraltro hanno rapporti di amicizia con lʼautore. In questa “messa in posa” si insinua già una sorta di larvale decostruzione; le figure non si presentano attraverso una palesante messa a fuoco dei particolari, ma suggeriscono il loro esserci attraverso lʼadozione di una decisa sottrazione di nitidezza che le pone in una sorta di limbo indistinto. Le figure sono di fatto come rinserrate tra due griglie operative che si danno come duplice modalità dellʼimmagine: lo sfondo e lʼintervento di superficie. Lo sfondo adotta un esplicito principio di banalità nellʼuso di motivi decorativi prestampati, reso ancor insinuante da una messa a fuoco ben curata e attenta nellʼevidenziare la texture del materiale adottato. Non cʼè però preziosità visiva, solo una laconica constatazione di esplicito schermo frontale,contro cui il personaggio si staglia, quasi che questo sia una sorta di ingombro visivo, con la sua indistinta presenza, che occlude la vivace docoratività dello sfondo. Lʼaltro intervento, è il caso di dirlo, si dispone sul piano epidermico della superficie, intaccando la figura stessa in una sorta di artificiale alterazione distratta dellʼoperatività fotografica.
Quindi filamenti, pressioni digitali, macchie, tutto un corredo di errori e disordini sorta di enunciazione di errori che di norma vanno evitati nel corso del procedimento fotografico e di stampa della pellicola.
Il gioco è quindi dichiarato, la pelle della fotografia è volutamente inquinata da inserti apparentemente casuali ed incidentali, che formano una prima epidermide visiva. La figura è già in un piano arretrato e si propone nella sua presenza indistinta come schermo intermedio, lo sfondo dichiarato e visualizzato da una precisa e banale descrittività, si pone quindi come strato profondo dellʼimmagine, dichiarando lʼattitudine marcatamente concettuale di tutta lʼoperazione. Risulta palese ciò che è sotteso alla dichiarazione visiva di Nico Macina, il suo lavorio sullʼimmagine diviene metafora del percepire attraverso il mezzo della percezione per tradizionale eccellenza, quale la fotografia con la sua presunta neutralità visiva si è spesso proposta.
La sua indagine visiva gioca quindi la carta del supposto sapere, confondendo lʼerrore palese con lʼintervento espressivo e la mancanza visiva con lʼeccedenza del senso in una sorta di decostruzione che ricostruisce invece nuove modalità significative del metodo fotografico.

Maurizio Cesarini

“Videzoom” è una serie di mostre di video organizzata dalla Galleria Sala 1, a Roma.
Queste mostre, che si sono svolte dal 2003 al 2007, hanno presentato recentemente i video d’arte contemporanea provenienti da diversi paesi, tra cui una selezione proveniente dalla Cina a cura del BizArt Art Center.
Nel mese di agosto 2007, BizArt Art Center ospiterà Videozoom a Shanghai, mostrando la selezione dei video artisti provenienti da Israele, Polonia, Iran, Spagna e San Marino (Italia).
Questi video hanno partecipato a mostre in tutto il mondo e comprende artisti di fama e giovani artisti emergenti (come per la selezione video di San Marino per esempio). Questi eventi costituiscono una introduzione alla video arte di questi paesi, che raramente sono mostrati prima in Cina.
Questo raccolta di video è focalizzata principalmente su questioni sociali, culturali e politiche: criticare la società dei consumi, denunciando le guerre ripetute e le loro conseguenze.
Gli altri video, più poetici ed estetici, giocano con effetti speciali: slow motion, effetti colore, ecc.
Nessun confronto o la categorizzazione dovrebbe essere fatto tra i paesi, questa selezione di 50 video presenti solo i commenti e sentimenti diversi da diversi artisti sui loro paesi.